Capita spesso di iniziare una frase o un pensiero con le parole “Chissà cosa sarebbe successo se…”. Purtroppo a questa domanda raramente c’è una risposta, ma Peter Howitt, con questo film ha provato a fare delle ipotesi.
Sherlock Holmes, il celebre detective londinese, riesce ad assicurare alla giustizia Lord Blackwood, praticante di magia nera. Il Lord viene impiccato, ma prima di morire profetizza il suo ritorno. Dopo qualche tempo infatti la sua tomba viene trovata scoperchiata e Sherlock si ritrova a dover catturare nuovamente il malvagio personaggio. Da appassionato lettore dei romanzi originali di Conan Doyle ero pronto a rimanere deluso di fronte a questo nuovo adattamento. Prendiamo ad esempio il protagonista, Robert Downey Jr caratterizza uno Sherlock Holmes molto diverso dall'originale. Mentre il personaggio letterario è una persona ordinata, seria e fredda (anche emotivamente, dato che le emozioni distraggono dai propri obiettivi), l'Holmes del film è confusionario e disordinato e conduce uno stile di vita quasi bohémien, anche nel modo di vestire. Inoltre, nei libri, l'investigatore è fondamentalmente un uomo di pensiero (anche se vengono citate delle conoscenze nella boxe e nelle arti marziali), mentre la pellicola è costellata da continue scene d'azione e combattimenti. Cambiamento totale, quindi. Eppure l'essenza di Sherlock Holmes è ancora perfettamente riconoscibile. Le ferree deduzioni logiche, il metodo di indagine scientifico, le vaste conoscenze in ogni campo, l'incredibile capacità di travestimento e persino le crisi di astinenza e l'isolamento tra un caso e l'altro sono tutte caratteristiche ottimamente rappresentate. Gli altri personaggi non si fanno notare particolarmente: Watson è caratterizzato in modo da mettere un freno alle stramberie di Holmes, e nonostante i cambiamenti, funziona bene in coppia con il protagonista; Lord Blackwood, l'antagonista, è abbastanza insipido e meno minaccioso del necessario; anche Irene Adler (che nelle opere di Doyle compare solo in un breve racconto) mi è sembrata piuttosto inutile, come se fosse stata inserita solo per creare una tensione romantica con Holmes e una sottotrama adatta ad essere sviluppata nell'ovvio sequel. Nonostante queste carenze nella caratterizzazione psicologica dei personaggi ma grazie ad un protagonista azzeccato, a delle buone scene d'azione, a un'ottima ricostruzione di una Londra sporca e fumosa e ai siparietti comici tra il duo di investigatori abbiamo un divertente film d'intrattenimento, niente d'impegnato e forse un po' troppo azzardato per i puristi di Holmes, ma adatto per passare un paio d'ore divertendosi e magari riscoprendo l'interesse per un grande personaggio della letteratura.
Randle McMurphy è un carcerato che, a seguito di alcuni dubbi sulla sua condizione di salute mentale, viene internato in un manicomio per essere vagliato, ma prenderà la cosa come una specie di vacanza premio, per evitare la prigione. Accortosi del pesante clima che si respira tra quelle mura, cercherà di dare una scrollata agli altri pazienti, spingendoli a ribellarsi agli ordini fortemente repressivi del’istituto, in particolare nei confronti della caporeparto Ratched.
Invitato da un amico e senza aver idea di che cosa trattasse (fatta eccezione per la presenza di Fabio Volo fra il cast) mi sono trovato sulla poltroncina del cinema a vedere le surreali vicende di una cricca di personaggi qualunque consumati da questa società. L'inizio è un po' incerto, qua vengono presentati gli sfortunati personaggi, rispettivamente: Toni, un operaio stufo e un po' imbranato; Marilù una giornalista che cerca di portare sul grande schermo i disagi delle “vittime di questa società”; Ramon, un uomo appena uscito di galera duro ma col cuore tenero; Pepe, un paninaro dell'autogrill sincero e frescone e per finire Bauer, un ricercatore nostalgico del comunismo. Questi personaggi si legano insieme attraverso una serie di complesse dinamiche casuali. Stanchi delle loro condizioni precarie vogliono compiere un gesto folle che possa in qualche modo dare un segno di dissenso e possa risarcire uno dei personaggi dalla morte del coniuge. Ramon che è l'unico ad avere dimestichezza col crimine è la mente del gruppo e il punto di riferimento che sembra riuscire a contenere le varie esuberanze ed errori degl'altri membri della banda. Piano piano però le cose precipitano sempre più vorticosamente in un climax di surreali complicazioni tipiche della commedia. La nostra banda di squinternati si troverà ad affrontare problemi al suo interno (come sempre colpa delle donne) e all'esterno. Si arriva discretamente alla conclusione dell'avventura (che ovviamente non vi dirò) e ad un insolita scena finale. Il film cresce con il progredire del tempo, alcune battute sono ben confezionate ed eleganti, ma non da sobbalzare sulla sedia. Spesso l'ironia assume toni dissacranti nei confronti del lavoro, della politica e delle contraddizioni umane. Ci vengono presentati i “malviventi” come buoni e i politici come cattivi (almeno per la prima parte del film). Il regista ci fa capire come ascoltando gl'altri, anche coloro da cui non ci aspetteremmo nulla, possiamo vedere in maniera più completa il mondo in cui viviamo, i bisogni delle persone. Per quanto riguarda gli attori, ottimi Favino e Battiston, una buona prestazione anche per Tirabassi, meno convincenti Fabio Volo e soprattutto la Pandolfi. Complessivamente il film è discreto, però manca l'incisività, l'intensità, si ha sempre l'impressione che manchi qualcosa e che si poteva fare un po' di più. Forse non un film da cinema ma più adatto per una serata in cui si è attanagliati dalla noia in casa.
Continuiamo con un po' di cinema asiatico. Questa volta ci spostiamo in Giappone e parliamo di un opera di uno dei più grandi registi internazionali. Akira Kurosawa. Nove giovani samurai hanno l'obiettivo di sgominare un affare di corruzione che si trova all'interno del loro stato feudale. I nove sono ancora inesperti, irruenti e poco meditabondi. Poco prima di partire per cercare di risolvere la situazione un samurai irrompe casualmente nel luogo dove sono riuniti. Da qui in poi il maturo e originale samurai Sanjuro (da cui prende nome il film) si prenderà a cuore la situazione e guiderà questi giovani nel loro scopo. Sanjuro dimostrerà le sue capacità di stratega e guerriero dai profondi principali morali. Insomma i classici crismi di un samurai. Invece il suo modo di essere, il suo comportamento è strano, inusuale quasi vicino a quello di un vagabondo. Attraverso vari intrighi, la trama si complica un po' e il film lascia spazio al botta e risposta fra “buoni” e “cattivi”. Comunque i minuti scorrono e le battute mischiate ai sanguinosi duelli porta il film fino ad un ottimo finale. Questo film è il sequel di Yojimbo – La sfida de samurai, in cui il protagonista è lo stesso Sanjuro ma le due storie non sono strettamente correlate. Anche l'attore è lo stesso. Toshiro Mifune. La sua recitazione risulta sempre impeccabile, è il suo personaggio a dare sostanza all'intera pellicola. La sfida è superata a pieni voti ed è spettacolare vedere i suoi tic, le sue massime. Non è a caso che Kurosawa lo utilizza per la maggior parte dei suoi film (epocale l'interpretazione nel pluripremiato Rashomon). Dietro queste spade e questi personaggi vengono fornite attraverso la storia dei momenti di riflessione. Seppure i combattimenti sono molti: “le buone spade sono quelle che rimangono nel fodero”, viene dato un forte peso alle vite dei nemici, così come di esso si ha molto rispetto. Viene anche presentata la corruzione dei politici e di come cerchino in ogni modo di pararsi il sedere (mi ricorda qualcosa).
Il signore oscuro Voldemort (o Voi-Sapete-Chi se avete paura di pronunciare il suo nome) sta diventando sempre più potente ogni giorno che passa e la sua morsa si sta stringendo su tutto il mondo magico. Harry, accompagnato dai fedeli amici Ron e Hermione, decide di non frequentare l'ultimo anno di scuola ad Hogwarts, ma di partire per compiere la missione lasciatagli da Albus Silente prima di morire, trovare gli Horcrux (oggetti in cui Voldemort ha rinchiuso frammenti della sua anima per ottenere l'immortalità) e distruggerli, per poi riuscire sconfiggere il potente stregone. Troppo lungo e denso di avvenimenti per essere trasposto in un unico film, Harry Potter e i Doni della Morte, l'ultimo libro della celebre saga, è stato adattato in due pellicole, e in questa recensione si parlerà della prima. Nonostante la suddivisione in due parti e il conseguente aumento del minutaggio totale in cui riversare tutta la storia, anche questa volta parecchie sottotrame o eventi descritti nel romanzo sono stati eliminati o accorciati, per dare spazio alla trama principale. Ma mentre il precedente episodio, Harry Potter e il Principe Mezzosangue, era fortemente penalizzato dalle scelte di sceneggiatura (mettere in primo piano le relazioni amorose scartando elementi fondamentali della storia), questa volta David Yates ha trovato un equilibro, abbastanza precario per dir la verità, ma funzionante. Il film riesce a reggersi da solo, e risulta abbastanza comprensibile anche da chi non ha letto il libro: certo, mancano parecchi tasselli fondamentali (la famiglia di Silente, una spiegazione più chiara riguardo gli Horcrux o su chi sia Grindelwald, ad esempio), ma la storia prosegue ugualmente, lasciando qualche interrogativo aperto nella testa dello spettatore. Ma se da un lato alcune scelte di adattamento sono state fatte in modo oculato, altre servono solo a complicare ulteriormente il tutto, presentandoci scene senza senso o inutili: Harry che si aggira tranquillo al matrimonio di Bill e Fleur, a Godric's Hollow o addirittura nel Ministero della Magia senza preoccuparsi di nascondersi; Harry e Hermione che ballano (?!); i tre che vengono catturati in un modo completamente stupido da un gruppo di Ghermidori; degli studenti che sull'Espresso per Hogwarts danno degli "sfigati" a dei Mangiamorte. Con una logica meno commerciale e riflettendo un po' di più sulle scelte adatte, il film sarebbe risultato molto più completo e sensato, e sfruttando meglio il tempo a disposizione si sarebbero potuti rendere chiari molti più elementi che lasciati così creano solo dubbi al non lettore. Un discorso a parte se lo merita il breve cortometraggio animato che descrive la storia dei Doni della Morte, cortometraggio che risulta essere uno dei punti migliori di tutto Harry Potter e i Doni della Morte: Parte I. Nonostante vari difetti quindi Yates è riuscito a conferire una valida atmosfera generale alla pellicola, soprattutto grazie ai paesaggi desolati visitati dai tre e alla forti tensioni che si scatenano tra i personaggi, ottenendo un'opera adatta per fare da preludio agli eventi finali della saga. Ora non ci resta che attendere luglio per assistere alla seconda parte, e sperare che si siano impegnati un po' di più.
Il Cattivo voleva a tutti costi fare questa recensione, ma gli è andata male, visto che dalle sue parti il film non è stato proiettato! La verità è che Scott Pilgrim vs. The World negli Stati Uniti è stato un flop ai botteghini, di conseguenza la Universal, in Italia non ci ha speso molto, tant’è che anche io sono dovuto andare allo spettacolo unico delle 18.30, fate voi!
A due mesi dall'invasione di zombie avvenuta in America, gli Stati Uniti ora sono solo una terra desolata popolata da non morti a caccia di carne umana. Un ragazzo soprannominato Columbus, sopravvissuto all'epidemia e che è in viaggio per arrivare in Ohio, dove spera di trovare i suoi genitori sani e salvi, incontra lungo la strada Tallahassee, un energumeno a caccia di merendine. I due uniranno le forze per combattere gli zombie. Dopo un anno dall'uscita americana, Benvenuti a Zombieland è arrivato anche in italia (anche se direttamente in dvd), e per fortuna, oserei dire: abbiamo rischiato di perderci uno dei film più divertenti degli ultimi tempi. Parodia (ma neanche molto) dei classici film con gli zombie, la pellicola attinge a piene mani anche e soprattutto dai videogames e dai fumetti. Le orde di zombie da sconfiggere nei modi più assurdi e sanguinosi, la grande varietà di armi usate dai personaggi, le scritte in sovrimpressione che ci ricordano le regole da rispettare per sopravvivere e addirittura qualche inquadratura sono prese di peso dai più famosi videogiochi horror. I protagonisti sono tutti adattissimi al proprio ruolo, e sarà impossibile non immedesimarsi nel malinconico Columbus o non esaltarsi mentre Tallahassee (un fantastico Woody Harrelson) combatte da vero duro i non morti, per poi mettersi a cercare un Twinkie, la sua merendina preferita. La storia scorre veloce senza nessun momento morto (e vorrei anche vedere...), le citazioni sono parecchie, soprattutto dai film più recenti (L'alba dei morti viventi di Zack Snyder in particolare, dati gli zombie che corrono e l'uso comico dello slow-motion), l'umorismo è nero, tanto da mostrarci come le persone obese saranno le prime a morire in caso di apocalisse zombie, dato che non possono fuggire rapidamente. Fantastico il cameo di un famoso attore comico americano che interpreta se stesso nella sua villa californiana, non vi dico chi è, dato che le scene che lo vedono protagonista valgono da sole la visione della pellicola. Benvenuti a Zombieland risulta quindi un film veramente divertente, che nonostante non sia originalissimo (l'argomento era già stato toccato qualche anno fa da L'alba dei morti dementi), riesce a reggersi benissimo in piedi grazie ad un ottimo cast, a make-up e effetti speciali realizzati molto bene e a varie trovate azzeccate (le regole da seguire). E finalmente un film di zombie in cui i protagonisti non sono dei completi idioti!
Herbert è un criminale da quattro soldi, che a furia di essere arrestato si innamora di Ed, la poliziotta addetta alle foto segnaletiche. I due si sposano e vanno a vivere insieme, ma dopo aver scoperto che lei non può avere figli, decidono di rapire uno dei cinque neonati Arizona, figli di Nathan Arizona, un ricco venditore di mobili. A complicare la situazione ci si mettono anche due evasi amici di Herbert che per non farsi beccare dalla polizia si nascondono in casa sua. Dopo un inizio noir con Blood Simple, i Coen cambiano completamente registro, e con Arizona Junior passano alla commedia. Ovviamente rimanendo sempre fedeli a se stessi, e quindi i protagonisti sono uno più stupido dell'altro, anche se animati da buone intenzioni. La trama si intreccia (rimanendo comunque abbastanza lineare per gli standard dei registi) tra numerosi folli personaggi, uno su tutti il motociclista infernale, assurdo e minaccioso. Il viso mono espressivo di Nicolas Cage è perfetto per dar vita ad un Herbert tonto e che sembra non capire cosa gli succede attorno, validi anche gli altri attori, sempre grande (e grosso!) John Goodman, presente anche in numerosi altri film dei fratelli. La trama stenta un po' a decollare nella parte iniziale, a causa di un prologo che sembra dilungarsi un po' troppo, ma dalla parte centrale in poi la pellicola vola letteralmente. Da antologia la sequenza dell'inseguimento per i pannolini, toglie il fiato dalle risate. Altro film riuscito per i Coen e strada spianata per i successivi capolavori.
Che dire? Æon Flux è il tipico film che parte con delle premesse non dico ottime, ma comunque interessanti, per poi finire sostanzialmente in una bolla di sapone… un paio, toh!
Una famosa parapsicologa tedesca viene uccisa nel suo appartamento a Roma. Nella piazzetta sottostante alla finestra del palazzo, Marc, un pianista che sta rincasando dopo aver suonato in un locale, si accorge del fatto e cerca di intervenire, arrivando però troppo tardi. Da quel momento Marc deciderà di indagare con l'aiuto di Gianna, una giornalista, per catturare l'assassino. Considerato da molti il miglior film di Dario Argento, Profondo Rosso merita buona parte di questa fama. Lo spettatore viene catturato nel complesso intreccio della trama, trovandosi in prima persona a dover sciogliere il bandolo della matassa. Gli indizi sono lì, a disposizione, e chi guarda il film li scopre insieme al protagonista, avvicinandosi sempre più alla soluzione. Ma la suggestione non finisce qui, perchè mentre Marc indaga, l'assassino continua a colpire, cercando di eliminare lo scomodo personaggio che si è messo sulle sue tracce, e la tensione si sente, eccome se si sente! Per tutto il film la sensazione è quella di avere qualcuno alle spalle, che ci segue e che sta per raggiungerci. Le musiche dei Goblin, potenti ed evocative, ci vengono sparate nelle orecchie senza lasciarci la possibilità di riflettere lucidamente e l'uso particolare della macchina da presa (soggettive, rapidi movimenti di camera, riprese raso terra) rende il tutto ancora più intricato e confuso, e al tempo stesso intrigante e coinvolgente. L'unico punto negativo, anche se non è propriamente una mancanza o un difetto, sono gli effetti speciali: terrificanti per l'epoca, ma invecchiati veramente male, con il sangue e le ferite visibilmente artificiali. A parte questo minimo particolare su cui si può tranquillamente sorvolare, Profondo Rosso è un film da brividi assicurati, avvincente e spaventoso, un classico da vedere assolutamente.
Kim Ki-duk questa volta ci porta su una specie di palafitta galleggiante immersa in un lago in mezzo alla natura nella Corea del Sud. In questo luogo dimenticato dalla civiltà, si snodano le vite di due monaci. Ogni età della vita viene rappresenta e descritta attraverso una stagione. La fanciullezza con cui si apre il film è presentata dalla primavera. In questa età il bimbo viene educato da un Maestro, che gli insegna i precetti base della spiritualità attraverso la vita di tutti giorni e insegnamenti pratici. La seconda stagione è l'estate, qua il fanciullo è diventato un ragazzo e l'equilibrio che fin ora era rimasto stabile verrà sbilanciato da una donna, da un amore. Un amore che provocherà grosse problematiche. Poi sarà il tempo dell'autunno, il periodo della presa di coscienza, dell'abbandono e del pentimento. Questa è la parte dove probabilmente vi è maggiore condivisione da parte dei due monaci, dove verrà deciso il futuro. Poi abbiamo l'inverno che è la maturità, il momento in cui il giovane pentito diventerà il dedito monaco che affina gli insegnamenti ricevuti per poterli insegnare nuovamente. Cosa che avverrà con la nuova primavera, momento in cui un nuovo bambino verrà inserito in questo sentiero. 
Siamo nel 1985, Marty McFly è un adolescente come tanti altri, quando un suo strambo amico, il dottor Emmett "Doc" Brown, gli chiede di assisterlo in un suo esperimento scientifico. Si tratta di una macchina del tempo, costruita partendo da una DeLorean e alimentata a plutonio. Ovviamente il pericoloso carburante non si trova nella drogheria sotto casa, e infatti Doc ha dovuto rubarlo a dei terroristi libici, che sopraggiungono sul luogo dell'esperimento. Nel trambusto successivo, Marty si ritrova nella macchina e senza volerlo viaggia nel tempo fino a 30 anni prima senza possibilità di tornare indietro. Primo episodio della celebre trilogia, Ritorno al futuro è ormai un film di culto, grazie alla moltitudine di appassionati presenti ovunque nel mondo. È difficile parlare di una pellicola del genere, che sembra non avere difetti, e forse non li ha: grazie ad una sceneggiatura ad orologeria, dove ogni minimo particolare si incastra al posto giusto, a dei dialoghi fantastici, di cui andrebbe citata ogni singola battuta, a gag e scene divertentissime, tra doppi sensi ed incasinati paradossi temporali, ad attori perfetti nelle loro parti (nessuno meglio di Christopher Lloyd poteva interpretare uno scienziato così perfettamente squinternato, tra gestualità folli e occhi sbarrati) e ad una colonna sonora epica e coinvolgente, il film diverte in modo intelligente per tutte le due ore di durata. L'ambientazione degli anni '50 è ricreata minuziosamente, con tanto di musiche d'epoca a coronare il tutto. Ritorno al futuro alla prima occhiata non sembrerebbe un film che vuole trasmettere un messaggio o una morale, ma i temi trattati non sono per nulla banali, mostrandoci che il futuro non è ancora scritto e che possiamo cambiarlo con le nostre azioni. Ma morale a parte, questo rimane uno dei film più divertenti e coinvolgenti che abbia mai visto (grazie anche alle mille citazioni, curiosità o collegamenti con le pellicole successive), che si regge in piedi benissimo da solo, ma che è ancora meglio visto con i suoi due seguiti, che danno un senso di completezza all'opera. E la versione rimasterizzata vista al cinema in occasione del venticinquesimo anniversario riesce a migliorare ancora, se possibile, un film che dovrebbe essere visto da tutti, nessuno escluso.
Un pistolero vestito in uniforme nordista arriva in un fangoso paesino sulla frontiera messicana trascinando dietro di sé una bara. Da anni in quel luogo si fronteggiano due fazioni, quella messicana guidata dal generale Hugo e quella sudista capeggiata dal maggiore Jackson, e Django, questo il nome del pistolero, sembra avere qualche conto in sospeso con quest'ultimo. Per molti versi simile a Per un pugno di dollari (il cowboy solitario, una guerra tra bande rivali, una donna contesa), questo film parte però da un presupposto diverso, che cambia parecchie delle carte in tavola: il protagonista questa volta non è spinto dalla volontà di guadagnare montagne di dollari, ma da qualcosa di più viscerale, il desiderio di vendetta. Django non è interessato alle donne o al guadagno facile, ma è spinto solo dalla necessità di vendicarsi per poter lasciare alle spalle il suo passato misterioso. Questo conferisce alla pellicola un tono molto diverso da quella di Leone, esasperandone gli elementi innovativi, la violenza in primis, che tra stragi, pestaggi e torture è ben presente lungo tutta la durata del film. L'antieroe fondamentalmente simpatico che era Clint Eastwood diventa un personaggio triste e solitario, disposto a tutto pur di raggiungere il proprio scopo, e che non è interessato ad aiutare nessuno, nemmeno la donna che si è innamorata di lui. Il film è pervaso da un'atmosfera cupa e malinconica, grazie anche alle ambientazioni scelte ad hoc: paesaggi silenziosi, deserti e desolati, quasi spaventosi nella loro freddezza. Ottime le interpretazioni degli attori, primo su tutti Franco Nero nel ruolo del protagonista, che contribuisce a formare l'idea di pistolero solitario dagli occhi di ghiaccio che tutti noi conosciamo. Con Django, Sergio Corbucci dirige alla grande un film fondamentale per il genere western, tanto da dare origine a un seguito ufficiale chiamato Django 2 - Il grande ritorno, a più di trenta sequel non ufficiali che sfruttarono il nome Django, e ad un riadattamento da parte del regista Takashi Miike, che ha diretto il suo Sukiyaki Western Django rivisitando gli stereotipi classici degli spaghetti western in ottica giapponese (si, avete capito bene, cowboy con le katane!).
In una bella casa in mezzo alla campagna di fronte a un lago vive lo scrittore Mort. In una condizione di degrado e leggera misantropia tenta di trovare l'ispirazione per un nuovo libro. Questa situazione è in gran parte dovuta alla moglie che ha chiesto il divorzio e ora vive con un'altro uomo. Un bel giorno arriva un certo Shooter, un uomo di campagna che accusa Mort di aver copiato un suo racconto: Secret Window. Mort sa di essere il vero inventore del racconto e cerca di far capire al bovaro Shooter che si sbaglia. Shooter però non è uno con cui si può ragionare e poco alla volta da dimostrazione della sua follia implacabile. Le azioni si susseguono sempre più vorticosamente e efferatamente fino al gran finale.
Quando Marty scopre grazie ad un investigatore privato che la moglie lo tradisce, decide di commissionare al suddetto investigatore l'omicidio della coppia, ma le cose non andranno secondo i piani. Opera prima dei fratelli Coen, Blood Simple - Sangue Facile, va subito al sodo. La storia scorre velocemente, mantenendo lo spettatore attento a quello che succede sullo schermo; i personaggi non saranno molto approfonditi, ma la trama ben costruita e i colpi di scena improvvisi reggono bene per tutta la durata della pellicola. Molti dei temi approfonditi in futuro dai Coen (la violenza inutile, le scelte stupide che causano intricatissime e inaspettate conseguenze) si notano già in questo film dalle tinte noir, rafforzate da un forte uso delle ombre: spesso i personaggi rimangono avvolti nell'oscurità, come a sottolineare che nessuno di loro è affidabile e che tutti tramano alle spalle degli altri, che sia per tradire il marito, per assassinare la moglie infedele o per guadagnare soldi facili, ognuno ha qualcosa da nascondere, e per cui probabilmente è disposto ad uccidere. Debutto con il botto quindi per i Coen che con questo film dimostrano subito di cosa sono capaci e iniziano a tracciare la strada che percorreranno con i loro futuri lavori.
Ero scetticissimo prima della visione de Il cavaliere oscuro, previa visione di Batman begins; certo, Cristopher Nolan è una garanzia, ma Batman, come personaggio non mi ha mai attirato tanto. Anche i due film girati di Tim Burton non mi avevano entusiasmato così tanto, giusto un po’ quello con Pingiuno. E invece mi son dovuto ricredere!
Solo, nella sua enorme villa, il magnate Charles Foster Kane, muore pronunciando come ultima, enigmatica parola il nome Rosabella. Un giornalista decide quindi di indagare sulla vita del facoltoso personaggio, intervistando le persone che gli sono state più vicine e cercando di capire chi fosse la misteriosa Rosabella. Con Quarto Potere ci troviamo di fronte ad uno dei film più importanti della storia della cinematografia mondiale. Diretto, prodotto e interpretato da Orson Welles (della serie: se vuoi le cose fatte bene te le devi fare da solo, grande Orson!), che diventa quindi il primo regista ad ottenere l'importanza totale come autore della pellicola, Quarto Potere potrebbe tranquillamente essere un film contemporaneo. La storia personale di Kane non è presentata in ordine cronologico, ma ripercorsa in modo casuale e frammentario, con continui flashback, e addirittura la ripetizione di eventi visti da punti di vista differenti. Welles lascia a noi il compito di riordinare i pezzi del puzzle di una vita solitaria vissuta accumulando tutto ciò che il denaro può comprare, per capire cosa ha reso Kane l'uomo che è diventato. Registicamente il film è una perla: per la prima volta viene data importanza ai piani sequenza, che sembrano spingere lo spettatore nella storia, aiutati da movimenti di macchina e usi particolari della cinepresa, abbandonando la leggibilità classica dell'immagine e puntando invece a trasmettere le emozioni che il protagonista tende a trattenere dentro di sé Fondamentale anche l'uso della prospettiva e della profondità di campo, che danno agli sfondi una rilevanza mai usata fino a quel momento. Enormi e sfarzose stanze deserte o piene di oggetti accatastati, vetrate e specchi che mostrano la scena da angoli diversi in un gioco continuo di riflessi, manifesti elettorali giganteschi alle spalle del protagonista, porte che si aprono su altre porte in una prospettiva quasi infinita, tutto è pensato e costruito per rappresentare al massimo la centralità e quindi la personalità del protagonista. Per non parlare della fotografia (e invece ne parlo): le luci sono fondamentali nel costruire le scene, dando un forte impatto visivo, illuminando determinati oggetti o personaggi e tagliandone e marcandone altri con le ombre; anche con questo elemento si abbandona l'immediatezza del cinema precedente, preferendogli un modo più artistico di usare l'illuminazione. Quarto Potere è un'opera d'arte a tutto tondo, e per di più è stato fondamentale per l'affermazione della figura del regista nelle realizzazione dei film, sdoganandolo dalle scelte popolari delle case di produzione e dandogli la possibilità di rappresentare i propri sentimenti e il proprio pensiero. Questi sono i film che mi fanno venire la voglia di lavorare nel mondo del cinema.
Se pensate che Ridley Scott sia una garanzia come regista vi sbagliate, questo film né è un esempio. Certo nella sua carriera ha sfoggiato film di grande spessore come Blade Runner, I duellanti o il più recente American gangster eppure la sua filmografia è costellata anche da film che sono un po' meno brillanti come Le crociate oppure per l'appunto Black Rain. Protagonista della scena è Michael Douglas che interpreta il ruolo di un poliziotto geniale quanto impulsivo di nome Nick Concklin. Inguaiato in problemi giudiziari, si trova insieme al collega Charlie Vincent (Andy Garcia) in un locale in cui è in corso un accordo fra mafia americana e yakuza giapponese. Il boss mafioso viene assassinato dallo yakuza giapponese Sato, che però verrà immediatamente catturato e chiamato a scontare la pena in Giappone. Proprio Nick e Charlie saranno incaricati di riportalo in patria, ma con un escamotage i due poliziotti verranno fregati consegnando il detenuto alle persone sbagliate. Da qui inizierà la caccia all'uomo per Osaka, la metropoli giapponese. La trama non è proprio irresistibile e non si fatica a capire le scene che seguiranno e come la storia andrà a finire. Tanti, troppi i clichè che vi si trovano, quasi da assomigliare ad un B-movie, anche se non voluto. Inoltre essendo una pellicola dell'89, le atmosfere così come le motociclette ricordano proprio quel periodo kitch. Si salva la regia, la colonna sonora e l'interpretazione di Garcia. La fotografia buona ma ricalca pesantemente Blade Runner e le sue insegne luminose. Insomma un film insipido, che vuol essere crudo ma manca di credibilità, che ricerca stile e atmosfere alla Blade Runner ma non ci riesce. Volete un consiglio? Concentratevi su altri dei suoi film se volete vedere le vere potenzialità di questo regista.